Abstraksionisme adalah representasi yang tidak mengacu pada objek konkret atau contoh spesifik
Ekspresionisme Abstrak
Muncul pada 1940-an di New York dan berkembang pesat pada 1950-an, Abstrak Ekspresionisme dianggap oleh banyak orang sebagai zaman keemasan seni Amerika.
Gerakan ini ditandai dengan penggunaan sapuan kuas dan tekstur, penyambutan peluang dan kanvas yang seringkali sangat besar, semuanya digunakan untuk mengirimkan emosi yang kuat melalui pemuliaan tindakan melukis.
Abstraksionisme – Periode
seni abstrak adalah pengecualian dari segala macam bentuk – struktur yang seharusnya menentukan objek, perspektif dan timbangan badan.
Pelukis dan seniman lain pada periode ini menolak nama-nama bentuk tertentu, disetujui selama bertahun-tahun. Mereka mengganti garis dengan lokasi dan vertikal dengan level.
Abstraksionisme lahir sebagai hasil dari beberapa bidang yang sudah dikenal dalam seni: kubisme, futurisme, ekspresionisme, dan tren yang sangat mirip. Perwakilan abstraksi terbesar dimulai sebagai pencipta tiga arah ini.
Lukisan abstraksionisme lahir di Rusia pada awal abad ke-20. Prekursor abstraksi dalam lukisan adalah Wassily Kandinsky.
Abstraksionisme – Seni Plastik
abstraksionisme adalah sebuah gerakan seni yang muncul pada awal abad kedua puluh di Jerman, melanggar dengan tradisi sekolah Renaissance dan meninggalkan representasi realitas. Mereka tidak peduli dengan figur atau tema, tetapi mereka memuji warna dan bentuk.
Abstraksionisme diidentifikasi dengan dua jalur penciptaan: abstraksi informal dan abstraksi geometris.
Abstraksi informal: Ini mengikuti penciptaan bentuk yang lebih bebas dan mengekspresikan perasaan, emosi. Seniman menciptakan bentuk saat melukis dengan bebas, dan garis serta warna mengekspresikan emosinya. Oleh karena itu noda dan grafik dapat dilihat dalam karya seni ini. Pelopor dalam ekspresi artistik ini adalah Vassili Kandínski dari Rusia (1866-1944).
Kita harus menyebutkan bahwa abstraksi informal telah menghasilkan tren artistik lain seperti: ekspresionisme abstrak, di Amerika Serikat, dan abstraksi gestural, di Eropa dan Amerika Latin.
Abstraksi geometris: Ikuti teknik yang lebih sulit, tanpa ekspresi perasaan atau ide. Seniman hanya mengeksplorasi bentuk-bentuk geometris, meninggalkan transmisi pikiran dan perasaan. Dalam abstraksi geometris, manfaat kepeloporan harus dibagi antara Malevitch Rusia (1878-1935) dan Piet Mondrian Belanda (1872-1944).
Penting untuk dicatat bahwa karya Malevitch Rusia menghasilkan gerakan yang berasal dari abstraksi, yang disebut suprematisme (otonomi bentuk). Sorotannya adalah layar Kotak Hitam dengan latar belakang putih.
Adapun seniman Belanda Mondrian, ia mendedikasikan dirinya untuk kanvas hanya dengan garis horizontal dan vertikal, sudut siku-siku dan warna kuning, biru dan merah, selain hitam dan putih. Karya Mondrian secara langsung mempengaruhi seni fungsional yang dikembangkan oleh Bauhaus. Konstruktivisme, konkritisme dan, baru-baru ini, minimalis berasal dari abstraksi geometris.
PATUNG
Pematung abstrak menggunakan alam bukan sebagai tema, tetapi sebagai sumber ide. Alam berfungsi sebagai titik awal kreativitas Anda; hasil akhirnya sebagian besar waktu tidak memiliki kemiripan dengan aslinya. Yang penting untuk pekerjaan Anda adalah bentuk dan warna, volume dan teksturnya.
Seniman abstrak menggunakan konsep matematika dalam patung mereka, seperti Helaman Ferguson, yang menemukan titik umum antara matematika dan seni.
Abstraksionisme – Gerakan
Gerakan abstraksionis mulai mendominasi di era kontemporer sejak seniman tidak lagi mengacu pada objek konkret, seperti potret, pemandangan laut, bunga, hubungan sejarah, sastra, atau mitologis.
Ini terjadi terutama karena dengan penemuan kamera, seni beralih ke ekspresi interior. Para seniman tidak lagi mementingkan representasi subjek, karena nilainya ada pada hubungan bentuk dan warna.
seni abstrak bekerja dengan bayangan cahaya dan, ritme, warna, harmoni, keseimbangan, garis, titik dan bentuk geometris. Sarjana seni umumnya menganggap pelukis Rusia Wassily Kandinsky (1866-1944) sebagai penggagas lukisan abstrak .
Abstraksionisme, menjadi gerakan yang lebih beragam, didasarkan pada dua tren:
Abstraksionisme informal
Dominasi perasaan dan emosi.
Bentuk dan warna dibuat lebih bebas yang menunjukkan asosiasi dengan unsur alam
Abstraksionisme geometris: bentuk dan warna disusun sedemikian rupa sehingga hanya ekspresi dari konsepsi geometris.
Abstraksionisme Geometris
Dalam dua tren mendasar, abstraksionisme memiliki sub-tren. Dalam informal, yang paling penting adalah takisme dan grafis; dalam geometri, neoplastisisme atau konkritisme.
Dalam lukisan itu, yang menonjol adalah: Francis Picabia, Paul Klee, Piet Mondrian, Malevick dan Marcel Duchamp. Di Brasil, abstraksionisme dipasang sekitar tahun 1947 dengan pelukis Antonio Bandeira dan Milton Dacosta.
Abstraksionisme Informal
Bentuk dan warna diciptakan secara impulsif, dalam rangkaian emosi yang bebas, dengan dominasi perasaan yang mutlak. Dalam kontak dengan realitas atau alam, pelukis abstrak informal mengekspresikan emosi alih-alih mewakili gambar yang dibuat atau disusun secara intelektual.
Banyak abstrak justru melukis abstrak di depan alam. Mereka hanya menghindari meniru, menyalin, menggambarkan aspek alam. Sebaliknya, mereka berusaha untuk menyarankan, membangkitkan, menyinggung, membangun kesan umum atau khusus dari ritme alam.
Bagi beberapa penulis, abstraksionisme informal akan menjadi pemberontakan semangat melawan ketepatan mekanis kehidupan cararn, melawan kultus rasionalisme dan keakuratan peradaban industri. Ini akan menjadi semacam romantisme cararn.
Beberapa abstrak murni memahami bahwa, meskipun tidak dimulai atau tidak diilhami oleh alam, seniman dapat menemukannya, ketika mengekspresikan dan mengkomunikasikan ritme vitalitas. Untuk membela abstraksionisme informal, juga diklaim bahwa gambar kiasan mereproduksi dunia luar; gambar abstrak, dunia batin seniman – garis dan warna memperoleh nilai puitis, benar-benar musikal, karena mereka tidak mewakili kualitas material dari realitas fisik, tetapi realitas dunia psikis seniman.
Ketika mengambil fitur bercahaya, diperoleh melalui nada halus dan peri, abstraksionisme informal disebut “abstraksi liris”; ketika, bagaimanapun, perasaan jengkel dan didramatisasi, melalui nada-nada bermuatan, intens dan kekerasan, itu disebut “abstraksionisme ekspresionis”.
Contoh terbaik abstraksionisme informal sebagian besar ditemukan dalam karya Kandinsky sendiri, yang kemudian memiliki fase geometris.
Gerakan abstraksionis mulai mendominasi di era kontemporer sejak seniman tidak lagi mengacu pada objek konkret, seperti potret, pemandangan laut, bunga, hubungan sejarah, sastra, atau mitologis.
Ini terjadi terutama karena dengan penemuan kamera, seni beralih ke ekspresi interior. Para seniman tidak lagi mementingkan representasi subjek, karena nilainya ada pada hubungan bentuk dan warna.
seni abstrak bekerja dengan bayangan cahaya dan, ritme, warna, harmoni, keseimbangan, garis, titik dan bentuk geometris. Sarjana seni umumnya menganggap pelukis Rusia Wassily Kandinsky (1866-1944) sebagai penggagas lukisan abstrak.
Abstraksionisme – Sejarah
Berbeda dengan sejarah abstraksi geometris, abstraksi informal atau liris di Brasil jauh lebih sederhana dan tidak didasarkan pada kelompok terorganisir atau bentrokan teoretis.
Pengaruh terbesar dalam perkembangannya adalah Bienal de São Paulo, yang sejak didirikan pada tahun 1951, dan terutama sepanjang tahun 1960-an, telah menampilkan karya-karya Tachist, pelukis informal dan pelukis isyarat yang karirnya mencapai puncaknya secara internasional. Tetapi bahkan sebelum Bienal, sebenarnya ada dua perintis, Cícero Dias dan Antônio Bandeira, yang pada akhir tahun 40-an tinggal di Eropa dan datang ke Brasil.
Dalam label abstraksi informal juga terdapat abstrak ekspresionisme, yang menunjuk pada seni yang lebih bersemangat, gestural dan dramatis, yang puncaknya adalah lukisan aksi seniman Amerika Jackson Pollock (1912-1956).
Di Brasil, ekstrem seperti itu belum pernah tercapai. Yang paling gestural dan dramatis dari abstraksionis kita adalah pelukis Iberê Camargo. Apalagi gestur – terutama gestur yang anggun, dengan karakter kaligrafi yang jelas – muncul dalam lukisan seniman bernama Jepang-Brasil, karena mereka lahir di Jepang, beremigrasi ke Brasil, tetapi membawa tradisi seni abstrak dari tanah air . yang di sini berkembang.
Orang Jepang-Brasil pertama yang memaksakan diri, pada akhir 1950-an, adalah Manabu Mabe (1924-1997), seorang mantan petani yang beremigrasi pada usia sepuluh tahun.
Lukisan Mabe megah dan hias, dan dia adalah yang paling terkenal dari Jepang-Brasil di luar negeri. Selain Mabe, Tikashi Fukushima (1920), Kazuo Wakabaiashy (1931), Tomie Ohtake (1913) dan Flávio Shiró (1928) menonjol.
Dua yang terakhir adalah kasus khusus. Tomie tidak pernah benar-benar pelukis informal, meskipun dia tidak menggunakan bentuk geometris pada awalnya; mengadopsi mereka, bagaimanapun, dari tahun 1970-an dan seterusnya. Flávio Shiró membuat sintesis yang sangat orisinal dan sangat dramatis antara abstraksi gestural dan figurasi, dan ada fase di mana satu atau yang lain mendominasi.
Pelukis abstrak informal lainnya yang penting dan berkualitas yang harus disebutkan: Henrique Boese (1897-1982), lahir di Jerman; Yolanda Mohályi (1909-1978), lahir di Hongaria; Mira Schendel (1918-1989), lahir di Swiss; Wega Nery (1912); Loio Persio (1927); Maria Leontina (1917-1984) dan Ana Bella Geiger (1933), semuanya lahir di Brasil.
Sangat penting, dalam abstraksionisme liris di Brasil, itu juga peran seni grafis, yang menjadi lebih dari teknik penggandaan gambar dan mencapai status bahasa. Master of liris ukiran abstrak menjadi Fayga Ostrower (1920), Artur Luís Piza (1928), Rossini Perez (1932), Anna Bella Geiger (1933) – sebelum pindah ke lukisan – dan Maria Bonomi (1935).
Beberapa artis di atas masih aktif. Di sisi lain, seniman yang sangat muda saat ini membuat lukisan yang terombang-ambing antara figurasi yang hanya disarankan, dan abstraksi informal, karena kekuatan dan kuantitas materi gambar, kehadiran gerakan yang mencolok dan dorongan ekspresif.
Abstraksionisme – Abstraksi
Secara umum, abstraksi dipahami sebagai setiap sikap mental yang menyimpang atau tidak berhubungan dengan dunia objektif dan berbagai aspeknya. Ini merujuk, dengan ekstensi, berkaitan dengan karya seni dan proses penciptaan, motivasi dan asal-usulnya, untuk setiap bentuk ekspresi yang berangkat dari gambar figuratif.
Max Perlingeiro, dalam “Abstraksi sebagai bahasa: profil koleksi” Editora Pinakotheke. SP
Dalam konteks seni rupa cararn, keberhasilan yang disebut seni abstrak begitu besar sehingga konseptualisasinya mulai dibuat berkali-kali secara terburu-buru, tanpa memperhatikan makna yang sah dari “abstraksi”. Konsep ini mengacu pada operasi abstraksi, yang berarti, pada prinsipnya, menghilangkan, memisahkan atau menghilangkan karakteristik atau unsur tertentu dari keseluruhan yang awalnya terintegrasi. Melalui operasi abstrak dimungkinkan untuk membuat pemilihan aspek-aspek tertentu yang serupa – sehingga perhatian dapat lebih terfokus pada aspek-aspek tersebut.
Karya figuratif: Nama: Wanita dengan kendi air Penulis: Johannes Vermeer Tanggal: 1660
Collection Marquand Collection of Metropolitan Museum of Art – NY
Menggunakan simbolisme yang agak sederhana, tetapi dengan efek yang jelas dan untuk tujuan didaktik, kita dapat membandingkan karya kiasan dengan lagu dengan syair. Setelah mendengar interpretasi penyanyi, kita dengan mudah memahami apa yang ingin disampaikan komposer kepada kita. Karya abstrak, pada gilirannya, dapat dibandingkan dengan melodi tanpa syair. Dan terserah pendengar untuk membiarkan dirinya terbawa oleh musik dan merasakan, hampir tanpa indikasi eksplisit, usulan sang komposer.
Namun, untuk memahami seni abstrak dalam kompleksitasnya, disarankan untuk memperluas khasanah pengetahuan tentang Seni, mengunjungi pameran, membaca, melihat dan, terutama, mengunjungi Sejarah.
Melukis dalam praktik artistik, hingga pertengahan abad ke-18, mengikuti aturan ketat dalam solusi dan keprihatinan seniman dengan sosok itu.
Sedemikian rupa sehingga akademi mengajarkan bahwa ada empat tema yang harus dikembangkan dalam seni lukis: lukisan alam benda, potret, lanskap dan kelautan, dan tema yang disebut alegori, atau lukisan alegoris.
Dalam still life, benda atau figur disajikan dalam lingkungan internal yang jauh dari alam. Makhluk hidup diwakili, tetapi mereka dikenal sebagai benda mati (maka istilah still life, diterjemahkan dari bahasa Prancis, yang menerima nama benda mati dalam bahasa Inggris). Bunga dan buah-buahan, meskipun segar dan subur, muncul di kanvas yang diletakkan di atas permukaan atau ditempatkan dengan hati-hati dalam stoples atau vas dari bahan yang berbeda.
Karya figuratif: Nama Bunga dan permen Penulis: Pedro Alexandrino Tanggal: 1900 Koleksi: Pinacoteca do Estado de SP
Berburu dan memancing binatang menunggu juru masak. Roti, pisau, dan keranjang muncul pada rencana yang dilucuti dengan perhitungan.
Potret, hampir selalu, menempatkan karakter dalam postur yang dipelajari, dengan cahaya dan bayangan yang dikontrol dengan sempurna dan, tergantung pada keterampilan dan kepekaan seniman yang lebih besar atau lebih kecil, kepribadian subjek dapat muncul dalam fitur dan postur model.
Lanskap, mungkin, adalah karya figuratif yang paling dihargai sebelum munculnya aturan akademik dan setelah dekadensinya. Lanskap menempatkan orang di tempat yang berbeda dalam kehidupan sehari-hari mereka, dan nostalgia yang ditransmisikan oleh menjadi-tidak-selalu menyenangkan.
Hal yang sama dapat dikatakan tentang angkatan laut: sungai atau laut bergelombang; pasir tenang dari pantai yang tenang; langit biru atau kabut tebal; kecerahan dan kegelapan perairan dalam.
Lukisan alegoris terkait dengan pengetahuan, tanda, dan hitungan, melalui simbol, bagian, momen, atau kebijakan yang terkait lebih langsung dengan waktu dan ruang di mana ia berkembang. Ini memprovokasi perasaan dan sensasi, tetapi membutuhkan pengetahuan.
Karya abstrak Judul Estaleiro Velrôme Penulis: Lucio Pegoraro Tanggal: 1986 Koleksi penulis
Oleh karena itu, semua sensasi ini sangat jelas dalam karya figuratif klasik.
Dan pertanyaan yang muncul adalah: Bagaimana dan mengapa seniman meninggalkan proposal estetika ini, yang begitu dihargai, sudah diintrojeksikan ke alam bawah sadar dan langsung diterima pada pandangan pertama?
Seni tidak statis. Seniman adalah makhluk yang terkait dengan masa lalu dan masa depan, pencipta, yang membawa semangat ilmuwan dan ketajaman peneliti. Minatnya ada pada tantangan, kekhawatiran, dan terjun tanpa akhir ke dalam kosmos, yang tak terbayangkan, yang tak terbatas. Dia tertarik pada perpecahan dan pertanyaan. Dan jika tidak, dia tidak akan menjadi artis. Akomodasi bukanlah bagian dari keberadaan Anda dan, jika Anda menyukainya, Anda berjuang untuk diterima. Dia juga berjuang dan menyukai individualitasnya sendiri.
Di samping paradoks, inilah yang menggerakkan seni dan apa yang mengangkat dan mengubahnya.
Memahami mesin sejarah yang berkesinambungan dan disisipkan secara permanen di dalamnya, seniman selalu terdorong untuk menciptakan. Oleh karena itu, arus, estetika, puisi, gerakan estetika muncul. Perhatikan bahwa kita tidak berbicara tentang sektor masyarakat yang mencari yang baru untuk yang baru, selera akan hal baru hanya untuk mengkonsumsi dan membuangnya. Sebaliknya, seniman yang layak untuk klasifikasi ini – dengan nama yang tersebar luas dan usang – tidak memberikan konsesi pada keinginan konsumen seni, tidak menghasilkan apa yang tidak dia yakini.
Karena itu, kita memiliki karya-karya yang merupakan tonggak penting dalam sejarah seni rupa dan banyak karya lainnya yang dibuat sebagai salinan yang tidak sempurna dan kemudian dibuang. Momen besar lukisan figuratif terjadi, tentu saja, antara abad ke-17 dan ke-18. Kesempurnaan yang dicapai oleh para akademisi sedemikian rupa sehingga tetap mempesona mata. Tapi bagaimana dengan semangat? Emosi?
Bukan kebetulan bahwa kekhawatiran tentang perasaan dan sensasi muncul pada akhir abad ke-19.
Pencarian pengetahuan yang lebih dalam tentang jiwa manusia; perilaku pemaksaan sosial-politik yang lebih bebas; valorisasi interior, inti, dari apa yang tidak terlihat, tampak dan segera dikenali: ini semua dilaporkan oleh bentuk-bentuk seni baru yang muncul dengan cararnisme.
Itu diabstraksikan, cerita yang dibawakan oleh sosok itu dihilangkan dan intelek dan emosi mencari hubungan baru ruang, waktu, warna, bentuk diaduk.
Karya abstrak GA4 Penulis: Gerard Richter Tanggal: 1984 Koleksi: Museum of Modern Art – New York
Untuk mengatakan bahwa lukisan itu dimodifikasi karena munculnya fotografi adalah sederhana.
Pelukis kerajinan kehilangan klien mereka bukan karena fotografi, tetapi karena mereka tidak memiliki banyak hal untuk dikatakan dalam potret mereka, dipelajari, dalam formula yang berulang.
Kaum Impresionis meninggalkan studio, mencari cahaya alami, menciptakan cara melukis baru, memutuskan hubungan dengan akademi dan, dalam pengejaran tanpa henti, mengubah lukisan. Mereka berusaha menempatkan sosok, lanskap, dunia dalam organisasi baru yang didikte oleh kesan yang mereka timbulkan. Kaum impresionis menghargai perasaan para protagonis, apakah orang, pohon, jendela, atau sosok lainnya
Vicente Van Gogh, Paul Klee, Paul Gauguin, Arp, Munck, Picasso, Braque, Miro, dan banyak lainnya.
Ketika René Magritte, pada tahun 1927, secara harfiah memberi tahu kita dalam karyanya “ini bukan pipa” tetapi representasi pipa, ia mengajukan pertanyaan tentang mistifikasi figuratif, representasi realitas, polisemi karya seni. , di samping pertanyaan lain yang diajukan oleh Kandinski, Chagall, antara lain.
Nilai seni yang dipengaruhi atau didikte oleh praktik akademik tidak dapat disangkal, tetapi gerakan pecah, yang disebut Modern, mengubah kata ini menjadi sinonim untuk sesuatu yang tidak pantas dan berjamur. Ketika cararnisme memaksakan dirinya secara total dan efisien, selama lebih dari 100 tahun, di momen kontemporer – postcararn – akademisi dipandang sebagai produk dari suatu era, dari momen dan … periode tertentu.
Seni Abstrak membuang sosok yang dikenal dan menggantikan dunia yang terlihat dalam informalitas bentuk, warna, garis, tekstur, denah, dan volume. Gestur menerjemahkan niat dan kebebasannya juga melepaskan ekspresi transformasi batin.
Kontroversi yang diprovokasi oleh arus abstraksionis sudah diredakan dan diwarnai.
Apa yang disebut arteabstrata tidak lagi membawa kejutan atau kemarahan, tetapi hanya apa yang diusulkannya: refleksi. Skala Neusa Schilaro